Blog

May 06, 2023

los grammy

Foto: entrevista de Andy Pollitt Mientras Jelly Roll cruza oficialmente al país

Foto: Andy Pollit

entrevista

Mientras Jelly Roll ingresa oficialmente al territorio country con su último LP, 'Whitsitt Chapel', el rapero convertido en estrella del country se siente como un hombre diferente, y su objetivo es brindar esperanza a aquellos que se sienten perdidos.

Cuando Jelly Roll asistió por primera vez a la iglesia con su hija, Bailee, no buscaba la salvación. Pero mientras estaba sentado en un banco de la iglesia, se dio cuenta de que necesitaba compartir la historia de su propia relación con la redención y la religión.

"Fuera de la religión, la idea de poder ser redimidos es simplemente una gran idea. La idea de que quienes éramos no es lo que somos es tan poderosa", dice Jelly Roll a GRAMMY.com. "En ese momento, pensé: 'Quiero escribir un álbum conceptual, que describa mi viaje de religión, mi viaje de espiritualidad, mi viaje de redención, mi viaje de fechorías'".

Nacido como Jason DeFord, Jelly Roll pasó una década entrando y saliendo de una prisión federal, y fue encarcelado cuando Bailee nació en 2008. Su nacimiento fue un punto de inflexión para el cantante, quien comenzó su carrera musical como rapero en 2011. Pero el Antioch , nativo de Tennessee, siempre amó la música country, y cuando se dio cuenta de que podía cantar, intentó escribir canciones country.

Lo que siguió es Whitsitt Chapel, el primer álbum country de larga duración de Jelly Roll. Nombrado en honor a la iglesia donde fue bautizado a los 14 años, el LP es una disección modesta, honesta y descarnada, y en ocasiones, una condena, de su propia historia de vida y su compleja relación con la religión. Ya sea que esté implorando "alguien sálvame, sálvame de mí mismo", en "Sálvame" o reflexionando sobre lo que significa aparecer en "Resacón en un banco de la iglesia", el tipo de religión de Jelly Roll es uno de comprensión, perdón y crecimiento. .

Ampliando la crudeza de su LP anterior, Ballads of the Broken de 2021, que le valió a Jelly Roll su primer éxito número 1 con "Son of a Sinner", Whitsitt Chapel presenta a Jelly Roll como una de las estrellas emergentes más intrigantes de la música country. Sus relatos honestos de sus luchas, respaldados por voces convincentes y descarnadas y ritmos de trap country, transforman sus shows en vivo en actuaciones apasionantes, creando una atmósfera casi similar a la de una iglesia para los fanáticos y el propio cantante.

Hablando con Grammy.com el día que salió Whitsitt Chapel, Jelly Roll habló sobre cómo hacer su último álbum, sus esperanzas de reformar el sistema de justicia y su propio viaje hacia la redención.

Bueno, primero que nada, feliz día del lanzamiento del álbum. ¿Cómo te sientes hoy?

Oh gracias. Es mejor que un cumpleaños. Es como tener un baile de graduación del que eres el rey. Nunca fui a un baile de graduación, pero asumo que este es el sentimiento.

Vendiste el Ryman Auditorium esta semana para tu presentación de lanzamiento. Y escuché a un par de personas describir ese programa como una sensación de ir a la iglesia. Tengo curiosidad de cómo se sintió desde tu lado de las cosas.

Sabes, hombre, me encanta que la gente compare esto con ir a la iglesia. Porque siento que así es como tratamos de hacer todos los conciertos. Siempre digo que mis espectáculos tienen un poco de hip-hop, un poco de rock, mucho country y un poco de resurgimiento de una tienda de campaña.

Mezclamos todas las cosas viejas y las cosas nuevas. Entonces, por defecto, hay mucho cruce de géneros. Pero el renacimiento de la carpa en la carretera secundaria es solo una especie de tema de todo el proyecto. Es este anticuado "vamos a la iglesia, hagamos un poco de alboroto, pongamos un poco de fuego del infierno y azufre aquí". Y cualquier buen sermón dominical tiene altibajos, momentos en los que lloras, momentos en los que estás feliz, momentos en los que tienes miedo, momentos en los que estás emocionado, y tratamos de recrear eso en el programa.

¿Te sentiste como si estuvieras allá arriba predicando?

Creo que la música predica, yo solo hablo. ¿Usted sabe lo que quiero decir? Creo que la música es el sermón, yo solo soy el diácono.

¿Cuándo empezaste a rapear y compartirlo con la gente?

Probablemente escribí mi primer rap cuando tenía 10, quizás 11 o 12 años. Y lo compartí con mi familia de inmediato. Como no dudó. El primer rap que escribí apestaba realmente mal. Y bajé corriendo las escaleras con gran orgullo, la gente se reunió alrededor de la mesa de la cocina y los vi actuar como si fuera decente.

Como lo hace la familia. Entonces, ¿cómo hiciste el cambio a la música country?

Siempre quise hacer música country porque soy un fanático de la música country. Y siento que "tres acordes y la verdad" siempre fue la premisa de mi música. Simplemente no sabía que podía cantar. Si alguien me hubiera dicho que tenía una voz genial para cantar cuando tenía 20 años, no podría imaginar dónde estaría esto ahora. Tenía como treinta y tantos años cuando descubrí que podía cantar.

Estaba haciendo karaoke y estábamos haciendo Bob Seger, "Old Time Rock and Roll". Salí del escenario. Y un productor dijo: "Hombre, tienes que hacer una canción en la que estés cantando". Y yo estaba como, "Hubiera hecho eso hace 20 años si hubiera pensado que podía cantar, soy un mal cantante". Es como, "No es lo que acabo de escuchar". Empecé a trabajar en eso, y puedes ver que tengo este álbum. Whitsitt Chapel es la primera vez que puedes escuchar lo cómoda que estoy con mi voz.

La composición y todo, la música evolucionó. Como digo, la música siguió al hombre: el hombre cambió y luego la música cambió, esta gran y vieja carga de iones humanos ha estado arrastrando la música conmigo, donde sea que haya terminado en el micrófono.

Después de ese momento haciendo karaoke, sacaste "Save Me", que creo que es tu puente hacia la música country.

Ese fue el gran puente, eso fue 2020, y ese fue el momento en que comenzó a unirse. Pero si quieres hablar de excelentes vínculos como cantante, tuve que volver a aprender a cantar "Save Me" este año. Esta es la primera vez que cuento esta historia. Cuando aprendí por primera vez a cantar "Sálvame", era el registro más alto que podía cantar, alcanzaba cada nota. Ahora puedo cantar octavas por encima de eso. Ahora que estoy cantando más alto, tuve que aprender a volver a establecer cuál era la clave real de la canción.

Eso suena como un poco de sorpresa.

fue interesante No me di cuenta de cómo me había ido durante el último año o dos. Pero ha sido divertido. Ha sido genial. Porque estoy aprendiendo, todavía soy nuevo en esto. Creo que es por eso que también estoy tan emocionado, es que realmente estoy entendiendo un poco más sobre la teoría de la música. Estoy entendiendo mejor la estructura de acordes. Estoy entendiendo claves, octava, tono, control. Estas son cosas de las que no tenía ni idea cuando hice "Save Me".

¿Estás estudiando teoría musical como parte de esta transición?

No, solo toco un poco la guitarra cuando puedo, haciendo muchas más cosas acústicas. Mi hija toca un pianito, una guitarrita. Así que solo estoy tratando de absorber todo lo que puedo.

Creo que la religión puede hacer muchas cosas diferentes. Y es bastante central a Whitsitt Chapel. ¿Puedes hablarme un poco de tu relación con la religión?

Estoy muy, muy, muy un poco en contra de la religión. No soy muy religioso en absoluto. Pero definitivamente creo en la espiritualidad. Tuve este pensamiento, cómo veo la iglesia y cómo veo la iglesia ahora es diferente a como la he visto. Me di cuenta de que es un grupo de personas que van a un lugar como un intento de construir una comunidad, buscar el perdón y ser mejores.

Y cuando se hace bien, no me importa cuáles sean tus pensamientos sobre Jesús, Dios, Alá, cualquiera de esas cosas, este es un concepto increíble, ¿verdad? Que la gente vaya aquí con la idea de hacerlo mejor, ser mejor y comunidad. Y mirando eso como un adulto, porque estuve mucho tiempo enojado con la iglesia, creo que a veces representaron mal a Jesús, pero entendiendo y volviendo a eso, veo cuál es el espíritu.

Pero luego también escribes líneas, como "Solo hablo con Dios cuando necesito un favor". ¿Puedes rectificarme la tensión real en esa línea, con lo que me acabas de decir?

Bueno, un día estaba sentado en la parte trasera de una iglesia y escuchando música de adoración. Y simplemente no poder relacionarme con eso y donde estoy con mi caminar y espiritualidad. Y lo miras desde esa perspectiva, y dices: "¿Cuál es mi conexión, cómo sonaría mi canción a Dios?"

Y siento que es, "Solo hablo con Dios, cuando necesito un favor. Solo oro cuando no tengo una oración". La tercera línea en ["Necesito un favor"], para mí, es la línea más poderosa, "Entonces, ¿quién diablos soy yo, quién diablos soy yo para esperar la salvación?" Solo piense en la palabra "esperar" en esa línea, el derecho de eso. Fue solo ser honesto acerca de cómo veo a la iglesia, y luego está mi caminar personal con Dios, y definitivamente son diferentes. Entonces, para mí, estaba tratando de crear esa música con ese espíritu.

Entonces, ¿cómo llegaste a nombrar este álbum para la iglesia de tu infancia?

Bueno, empezó cuando fui con Bailee a su iglesia. Así que Bailee es mi hija, tenía 14 años, cuando empezó a ir a la iglesia, había aludido a querer bautizarse. [Pensé], bueno, debería ir a ver a qué tipo de culto asistirá, porque así es como veía la iglesia en ese momento. Y luego fui, y recordé la autenticidad que también puede haber en esas paredes. Me acordé de la humanidad y la compasión y el perdón, el amor y la comunidad, más que nada observándola a ella y a todos sus amigos allí.

Y comencé a pensar en dónde estaba cuando tenía 14 años. También voy a una pequeña iglesia, en una pequeña carretera secundaria en una colina, solo hay estos pequeños paralelos. Bailee experimentó e incursionó en la marihuana por primera vez, la atrapé recientemente. Aproximadamente a la misma edad, estaba incursionando en la marihuana y en los problemas. Era solo reflexivo.

Y luego empiezas a pensar en la redención. Fuera de la religión, la idea de poder ser redimido es simplemente una gran idea. La idea de que lo que éramos no es lo que somos es muy poderosa. En ese momento, pensé: "Quiero escribir un álbum conceptual, que describa mi viaje de religión, mi viaje de espiritualidad, mi viaje de redención, mi viaje de malas acciones". [Es] mi opinión sobre todas estas cosas desde un niño de 14 años que se bautiza en Whitsitt Chapel hasta el hombre de 39 años que acaba de ver bautizar a su hijo de 14 años.

Y creo que el 14 fue un año bastante grande para ti, al menos un año complicado para ti. Los 14 años de su hija, ¿qué impacto tuvo eso en usted?

Eso es lo que me hizo querer saltar a la acción. El mismo año en que me bauticé, me arrestaron y eso comenzó lo que sería un ciclo de 10 años de encarcelamiento de entrada y salida. Y ella está en un lugar mucho mejor. Ella es mucho mejor de lo que yo podría haber sido a esa edad, o probablemente nunca lo será. Pero eso fue lo que lo drogó también, porque sé que estos son los años. Hablo con la gente todo el tiempo. Son como, "¿Cuáles crees que son los años más importantes de la paternidad?" Digo "Todos los días. Pero si hay una ventana, es de 14 a 18".

Y en el show de Ryman hablaste de volver a Whitsitt Chapel para hablar con tu pastor. ¿Qué pasó cuando volviste y cómo se sienten acerca de que hayas nombrado el álbum así?

Me restauró la fe en las cosas. Sacaron mis registros y enviaron una foto de mi letra, Jason, de 14 años, pidiendo ser bautizado: tienes que llenar una tarjeta. Y esta iglesia ha mantenido ese registro durante 24 años. loco, ¿verdad? Así que en ese momento estoy como, quiero conocerlos, ¿podemos amarlos un poco? Quería sentarme y reunirme con el pastor Ken y con el resto de su personal.

Estoy ansioso por escuchar lo que piensan de todo el álbum. Les toqué algunas canciones que les encantaron. Sus palabras exactas fueron "Hombre, estamos contentos de que esté pensando en nosotros. Estamos pensando en él, lo amamos. Estamos orando por él. Estamos orgullosos de él".

Mi objetivo en las próximas dos semanas es sorprenderlos, pasar un domingo. Tal vez debería ir este domingo.

Hay algo en ese momento, ¿no?

Sí, hay algo irónico en eso.

Ahora que ha lanzado un álbum country, ¿se ve completamente como un artista country?

Definitivamente me considero un artista country. 100 por ciento. Mi esposa me dijo una vez que incluso si canto "Amazing Grace" en cualquier lugar al norte de Ohio, dijo que la gente diría que yo era country. Ella dice: "Puede que no creas que suenas country cuando cantas, pero yo soy de Las Vegas y tú suenas country. Cuando estás cantando canciones en la casa, como una canción de Katy Perry o algo en la casa siendo ridículo". país sonoro". Mi esposa siempre me molesta por eso.

Bueno, la broma podría ser para ella, si estás sacando un álbum country ahora.

¿No es genial? A ella le encanta. Lo que más me gusta de ella es cuando habla arrastrando las palabras, cuando imita a su marido, es lo mejor.

¿Para quién escribiste estas canciones?

Escribí estas canciones para cualquiera que esté lidiando con la dualidad de la vida. Volviendo a ese servicio dominical, salí y me serví demasiado, muchos sábados. Muchos domingos por la mañana, todavía me despertaba y aparecía, y esa es la dualidad del hombre.

Es una especie de "Hijo de un pecador" de nuevo. Siempre se trata de estar en algún lugar entre estar bien y mal, porque creo que ese es el lugar exacto en el que vivo. Sé que mi corazón es puro. Sé que mi espíritu tiene razón. También sé que hago chistes políticamente incorrectos. Y fiesta a veces, y soy un poco tonto y escandaloso. Pero también sé que mi corazón es ser un hombre de servicio y ayudar a la gente. Así que escribo para ese tipo de gente, el poeta en apuros del hombre quebrantado. Siempre tratando de ser la voz de los sin voz.

Y realmente terminas el álbum en ese lugar, "Hungover in a Church Pew", ¿verdad?

Sí, eso fue importante en el álbum de esa manera, porque lo necesitaba. Porque hay momentos en los que sonaría como "The Lost": "He sido conocido por encontrar mi tipo de gente / No están en casa debajo de los campanarios de las iglesias". Pero incluso a través de todo este viaje de este álbum, todo "Hold on Me", mi lucha con el alcohol, mi canción de amor para mi esposa, "Save Me", "Need a Favor", "Dance with the Devil". Incluso después de todo eso, todavía encontré mi camino hacia ese tipo de ritmo optimista, medio tiempo, con resaca "rayo de sol sobre esa vidriera, el predicador predicando ese fuego y azufre". Entonces, para mí, fue genial, porque dije: "Escuché tu fuego y azufre". Siempre estoy buscando la redención.

Y ese medio del camino también, un pie en dos lugares, ¿verdad?

Exactamente.

Tengo curiosidad por saber más de tu historia de fondo. Eres muy abierto acerca de ser un convicto. Y es algo que es fundamental para su identidad. Tengo curiosidad acerca de la elección de mantener eso al frente de tu identidad.

Bueno, lo recuerdo todo el tiempo. Así que creo que mi objetivo ahora es mientras me recuerdan constantemente que quiero recordarle a la gente que puedes cambiar. Intenté comprar una casa hace cuatro meses y me rechazaron por mis delitos graves. Todavía estoy lidiando con eso hoy.

Creo que ahora se trata más de llamar la atención sobre la causa, de tener algún tipo de reforma judicial. Mis delitos que son inexpugnables, que me dieron cuando tenía 16 años. Sabes, no estaba pensando como un hombre que debería tener eso en su contra durante los últimos 20 años.

Entonces, ¿qué quieres que la gente entienda sobre eso?

Creo que necesitamos volver a examinar el sistema juvenil, si estamos enfocando nuestros esfuerzos en la disciplina o la rehabilitación. Y creo que eso también entra en la pandemia de adicción a las drogas en Estados Unidos. ¿Estamos centrando adecuadamente nuestra atención en la rehabilitación? ¿Ya estamos encontrando medios alternativos? ¿Podemos aceptar que la guerra contra las drogas fue una guerra que perdimos? Mi historia es solo un intento de llamar la atención sobre esos temas. Y lo mío es que no creo que sea una talla única para todos. Como, incluso hasta mi delito grave, creo que estas cosas deberían ser caso por caso.

Terminaste donando las ganancias de tu reciente espectáculo en el Bridgestone Arena. ¿Fue a una variedad de programas juveniles o al centro de detención juvenil donde estuvo encarcelado?

Construimos un estudio en el centro de detención donde estaba, también otorgamos algunas becas a algunos estudiantes de secundaria locales. No quería limitar a los jóvenes en riesgo solo a los niños encarcelados. Porque creo que hay niños que están en riesgo que aún no han tomado esa decisión, pero tampoco saben cómo van a ir a la universidad. Quiero ayudar a esos problemas también.

¿Cuál es su esperanza de lo que ese dinero puede hacer?

Mi esperanza es que pueda crear un espacio seguro para que los niños creen música y se expresen. Pero esto es más grande para mí en cuanto a que tengo un plan de 10 años aquí que quiero cambiar. Quiero abrir hogares grupales, eventualmente, quiero abrir programas de cuidado posterior, centros comunitarios. Quiero traer otro trabajo comercial al centro juvenil en el que estuve. Empecé con la música porque es lo que sé. Pero espero traer la peluquería y la soldadura, todo lo que pueda aportar para ayudar a estos niños a darse cuenta de que podrían tener otra forma de hacerlo.

¿Es por lo lejos que has llegado?

Creo que es por lo lejos que he llegado y la capacidad de retribuir. Quiero ayudar. ¿Quién eres si tu vida ha cambiado tan drásticamente y no intentas ayudar?

¿Te sientes una persona diferente a cuando empezaste a hacer música?

Soy una persona tan diferente. Puedes escucharlo en la música. Puedes verlo en el testimonio. Demonios, estoy orgulloso de decir que estoy mejor hoy que hace una semana. Tomé decisiones y elecciones conscientemente y me di cuenta de cosas en las que me quedé corto. Hago autoinventario todos los días.

Es solo la idea que aprendí a través de diferentes programas, el concepto de mirar hacia atrás en las cosas y todos los días hacer un autocontrol de inventario: "¿Fui amable? ¿Me importó? ¿Qué hice que no se sintió bien? ¿Dije algo me arrepiento de haber dicho? ¿No llamé a alguien? ¿No dije algo que debería haber dicho? Te mantendrá agradecido. También te mantendrá humilde. Porque a veces el inventario es simplemente: "¿Por qué estoy agradecido? ¿Qué sucedió en las últimas 24 horas por lo que estoy agradecido?"

Bueno, estas últimas 24 horas pueden tener algunas cosas por las que estar agradecido.

Whooo, estas últimas 24 horas están llenas. Me va a llevar hasta el fin de semana. Ahora se me permiten un par de jodidas. No, estoy bromeando. Es ese equilibrio, ¿verdad? "Está bien, me he ganado una noche de imprudencia".

Bueno, el domingo se acerca, ¿verdad?

Amén.

Conoce a Bailey Zimmerman, la nueva estrella más grande del país que todavía no puede creer que es famoso

Fotos (LR, en el sentido de las agujas del reloj desde la parte superior izquierda): Jason Merritt/FilmMagic, NurPhoto/Corbis vía Getty Images, Chelsea Lauren/WireImage, Juan Aguado/Redferns)

característica

El octavo álbum de estudio de Avenged Sevenfold es posiblemente el más ecléctico hasta el momento. Pero mirando la discografía completa de la banda de hard rock, el LP experimental y de género puede no parecer un cambio tan dramático.

Provenientes originalmente de la escena punk del condado de Orange, los éxitos de las listas de éxitos de metal Avenged Sevenfold siempre han superado sus límites personales y artísticos, adoptando las sensibilidades de la nueva escuela mientras se inspiran en las bandas clásicas. Su último álbum, Life Is But A Dream... toma todas sus influencias y su afición por las canciones que cambian de género y las combina en un nuevo y audaz paisaje sonoro.

El LP de 11 pistas, el octavo de Avenged Sevenfold, presenta tiempos de ejecución prolongados, composiciones experimentales y acompañamiento orquestal ocasional. Si bien su rápido cambio de género lo convierte en una colección desafiante, también hace que el álbum se destaque entre otros trabajos de las principales bandas de rock.

Como sugiere Life Is But A Dream…, la voluntad de experimentar de Avenged Sevenfold es lo que ha mantenido a la banda activa y vital durante casi 25 años. Tampoco han rehuido los temas complejos en sus letras, profundizando en temas de fantasía, abordando temas sociales y políticos, y emocionándose con canciones sobre la muerte, la existencia y el duelo por la pérdida de su difunto baterista, The Rev.

Si bien han presentado varios éxitos como "Bat Country" y "Hail To The King" a lo largo del camino, los cortes profundos son los que han mantenido su música intrigante. Combine todo eso con la potente presencia vocal del líder M. Shadows, los solistas abrasadores del guitarrista Synyster Gates y su interacción con el guitarrista Zacky Vengeance, el poder rítmico del bajista Johnny Christ y su última potencia de batería, The Rev, no es de extrañar que el grupo tenga retuvo seguidores leales desde el principio. El resultado ha sido cinco discos con ventas de platino, dos álbumes No. 1 y una nominación al GRAMMY.

Mientras Avenged Sevenfold lanza su octavo álbum, GRAMMY.com se sumergió profundamente en el catálogo de la banda para examinar cómo mantener la mente y los oídos abiertos los ha llevado por caminos musicales gratificantes.

El debut de Avenged Sevenfold se grabó en condiciones primitivas. Inicialmente un cuarteto —Shadows, Vengeance, el bajista Justin Sane y el baterista Jimmy "The Rev" Sullivan— la banda tenía un presupuesto de $2,000 para tocar. The Rev inmediatamente solidificaría su credibilidad como una fuerza de percusión al grabar cada canción en una sola toma, y ​​la banda grabó todo lo demás en esas pistas apretadas y, a menudo, hiperactivas.

Avenged sonó absolutamente feroz en canciones thrashy como "Darkness Surrounding" y "Thick and Thin", luego contrastó eso con la balada de piano "Warmness On The Soul" y el punk melódico de "Streets", una melodía copiada de la banda anterior de Shadows. Fracaso exitoso. A diferencia de tantas epopeyas posteriores, la mayoría de las melodías cayeron en el rango de 4 minutos (la primera y última vez para un lanzamiento de Avenged), además de la melancólica canción de cierre de 7 minutos "Shattered By Broken Dreams". La canción comienza en la línea de una balada acústica antes de transformarse en una improvisación eléctrica elegíaca, combinando muchas de sus influencias en una sola composición.

Otra de esas influencias es aparentemente su ciudad natal de Huntington Beach, California, que la banda ha notado que tiene una población muy diversa y ecléctica. Las canciones de Trumpet reflejan eso, combinando elementos de metalcore, punk y metal clásico en un esfuerzo estridente, aunque a veces desigual. Aunque todos eran todavía adolescentes cuando grabaron el proyecto, se mostró prometedor de inmediato.

Los cambios en la formación después del lanzamiento de su debut dieron como resultado la llegada del rey de la trituración Synsyter Gates a la guitarra en abril de 2001 y Johnny Christ al bajo en septiembre de 2002. Al firmar con Hopeless Records, que reeditó su primer álbum, A7X mostró de inmediato cómo la banda renovada se fusionó. más y poseía una mayor confianza en el estudio con su próximo trabajo, Waking the Fallen. Tener dos seis cuerdas aumentó la pesadez y su potencial de composición, y fue genial para desatar grandes armonías de guitarra.

El productor de Godsmack, Andrew Murdock (también conocido como Mudrock), se incorporó como coproductor y empujó a la banda a ir más allá. Refrenó deliberadamente la percusión de The Rev para equilibrar el caos con el control, y el grupo alentó a Shadows a cantar más y no solo a concentrarse en gritar, particularmente a la luz de su cirugía vocal alrededor de 2002, de la que tardó dos años en recuperarse por completo. Si bien este cambio de canto influiría profundamente en su próximo álbum, no les sentaría bien a algunos de los primeros fanáticos de la banda. Pero ayudó a abrir más su música. Los sencillos "Eternal Rest/Chapter Four" y "Unholy Confessions" combinaron bien sus influencias nuevas y de la vieja escuela.

La pista "Remenissions" fue una de las que insinuó la mentalidad multidimensional que se avecinaba, combinando metalcore agresivo con un inesperado trabajo de guitarra acústica. "I Won't See You Tonight" de dos partes y 13 minutos es una de las piezas más convincentes del álbum, tanto por su tema, que detalla a las sombras caminando sobre Sane intentando quitarse la vida, desde la perspectiva de Sane, y por su progresión de una poderosa balada épica a la rugiente segunda mitad, que invoca la reacción de Shadows ante la nota de suicidio de su amigo.

Desde Waking The Fallen quedó claro que Avenged Sevenfold estaba madurando rápidamente. Su música y sus giras regulares, incluido el Vans Warped Tour, prepararon el escenario para el gran avance.

Con Murdock en el puesto de productor una vez más, el tercer álbum de la banda representó un punto de inflexión. Shadows trabajó con un entrenador vocal para tener una calidad de metal arenosa, pero sin explotar su voz como lo hacía cuando era más joven. Todavía aborda muchos gritos en vivo, pero adoptó un enfoque vocal mucho más disciplinado en las grabaciones, con determinación y poder que evitó los gritos absolutos. (Johnny Christ se hizo cargo de manejar algunos de los otros gritos en vivo).

El video del himno segundo sencillo "Bat Country" realmente marcó la pauta para el nuevo Avenged Sevenfold: imágenes diabólicas de Las Vegas, modelos en lencería y muchos murciélagos (digitales). El momento para esta transición funcionó bien, ya que el auge del nu-metal había terminado y el metalcore estaba en su apogeo. Con un renacimiento clásico del hard rock y el metal de los 80 en pleno apogeo, había llegado el momento de que una banda más joven tomara esas influencias (Iron Maiden, Guns N' Roses y Metallica entre ellas) y las moldeara en un nuevo sonido. Avenged Sevenfold había llegado, pesados ​​riffs y majestuosas armonías de guitarra a cuestas.

Tal vez el caos del metalcore se había ido, pero escucha los riffs de fuego rápido y las dobles patadas en pistas como "Blinded In Chains" y "Burn It Down", y está claro que todavía podrían traer el trueno. Al mismo tiempo, su cosmovisión musical se había expandido. El metal melódico de "Sidewinder" presentó el trabajo de guitarra española del padre de Gates, Brian Haner, en la coda latina extendida de la canción. "Seize The Day" recordó las baladas clásicas de poder. Las últimas tres pistas se desviaron hacia el metal melódico de medio tiempo, incluido el cierre galopante, al estilo de Maiden, "MIA" sobre los horrores del campo de batalla.

La cuarta vez fue la vencida para el álbum autoproducido y homónimo del grupo. Abriendo con el asalto agresivo de "Critical Acclaim", que incluía críticas a los guerreros del teclado que se quejan de los problemas sociales pero no hacen nada para resolverlos, el álbum atravesó una amplia gama de territorio sonoro. "Scream" ofreció más intensidad de groove metal, "Rise" entregó power metal de alta velocidad y "Gunslinger" presentó un trabajo acústico de blues.

The Rev se destacó particularmente en este álbum. Según los informes, él mismo escribió el 60% del proyecto y también proporcionó la voz co-principal en la mitad de las canciones. Es raro que un baterista de rock tenga tanta participación en la música de su banda, pero ciertamente proporcionó mucho forraje artístico para igualar su propulsión de percusión.

Avenged Sevenfold cerró con dos pistas inesperadas. Primero fue la epopeya de 8 minutos "A Little Bit Of Heaven", conjurada por The Rev e inspirada por Tim Burton, Danny Elfman y Oingo Boingo. Con instrumentación mayoritariamente orquestal, la peculiar pista tejió una alegre y morbosa historia de asesinato, necrofilia, venganza de los muertos vivientes y una ola de asesinatos. En contraste, "Dear God" cerró las cosas con una balada lenta de soledad y añoranza en el camino. (El video recordaba "Fielmente" de Journey).

Deja que estos muchachos entreguen un golpe uno-dos sin grandilocuencia de metal.

Este originalmente estaba destinado a ser el primer álbum conceptual del grupo, pero la trágica muerte de The Rev por una sobredosis accidental en diciembre de 2009 dejó a la banda frente a una encrucijada inesperada. El gran vacío dejado por su baterista de 28 años tuvo un impacto inmediato, y el grupo reclutó al entonces baterista de Dream Theater, Mike Portnoy, para terminar de grabar su próximo álbum (basado en las partes de batería planificadas previamente de The Rev) y unirse a ellos en el subsiguiente. recorrido. La elección tenía sentido; The Rev representaba a la próxima generación de jugadores poderosos como Portnoy, y el dúo se había unido previamente personalmente.

Si bien se abandonó el enfoque conceptual original de Nightmare, se volvió algo conceptual en el sentido de que muchas de las canciones abordaban la desesperación y el dolor de la banda por la pérdida de su compañero de banda. Las huellas dactilares de Rev están por todo el álbum, que con frecuencia favorecía canciones más lentas y melódicas que los esfuerzos anteriores. Pero también hubo pistas más thrashier como "God Hates Us", que sirvió como un flashback de metalcore para la banda.

El primero de dos álbumes producidos por Mike Elizondo (Eminem, Mastodon), Nightmare es posiblemente el álbum más emotivo de Avenged Sevenfold. Muchas de las letras expresaron la tristeza y el dolor que sintieron, como en "So Far Away". El elogio impulsado por el piano "Fiction" (originalmente llamado "Death") fue escrito por The Rev y terminó tres días antes de su fallecimiento. En retrospectiva, fue inquietantemente profético, con letras como "dejé esta vida para liberarme" y "al final di mi vida por ti".

Después del ciclo del álbum y la gira con Portnoy, Avenged Sevenfold incorporó al ex baterista de Confide, Arin Ilejay, para una gira a partir de 2011 y luego creó su sexto álbum de estudio. Ilejay se enfrentó a una tarea abrumadora: reemplazar dos grandes juegos de zapatos detrás de la batería.

Hail To The King fue un tipo diferente de álbum. La mayoría de las melodías tenían un ritmo medio o más lento, con ritmos insistentes que le daban una sensación de rock pesado de los 80. No ha sido raro que algunas bandas de thrash cambien de enfoque (piense en Metallica y The Black Album), y el cambio de ritmo produjo algunas melodías memorables.

Mientras Ilejay abordó las partes más rápidas y atronadoras de The Rev en vivo, se centró en ritmos fuertes y pesados ​​​​en Hail To The King. Hubo más consistencia en el enfoque de la banda aquí, y los espíritus de Metallica, Maiden, Megadeth y otros íconos clásicos y del thrash se ciernen sobre el álbum. Muchas bandas han hecho versiones de álbumes o canciones, incluido Avenged; aquí, ofrecen más de un registro de homenaje.

Al más puro estilo A7X, la continuación de la música optimizada de Hail To The King se convirtió en el primer álbum conceptual real del grupo, pero de manera más temática en lugar de utilizar una narrativa lineal. Giraba en torno a la inteligencia artificial y el lugar de la humanidad en el mundo y el universo.

Si bien la etiqueta progresiva había sido lanzada en relación con la banda antes, The Stage realmente estuvo a la altura de ese término, ya que el grupo experimentó con compases alternativos y arreglos más complejos. Era metal progresivo agresivo. El productor Joe Barresi (Coheed and Cambria, Bad Religion) se incorporó esta vez, y Christ explicó recientemente que Barresi nunca dice que no a lo que aspira hacer, simplemente encuentra la manera de hacerlo realidad.

El cuarto álbum de Avenged que se abre con vibraciones góticas, en este caso, una introducción de teclado en el espíritu de "Mr. Crowley" de Ozzy Osbourne, el trabajo de tambores martilleantes anunció la llegada del cuarto baterista del grupo, Brooks Wackerman, luego del despido de Ilejay desde detrás del kit. Wackerman dejó su trabajo de toda la vida con los íconos punk Bad Religion por A7X, a quien sintieron que encajaba mejor en el camino musical en el que se encontraban. Ciertamente desató poderosos rellenos y patadas para dar fe de su valía para su trono de batería.

The Stage fue impulsado por mucho fuego y furia, pero la banda también se relajó con las baladas "Roman Sky" y "Angels" y los 15 minutos de salto de género "Exist". Esa pista gigantesca se abrió con un misterio ambiental, estalló en la majestuosidad del power metal y se agitó a través de un montón de histrionismo de guitarra, con las voces tenues de Shadows llegando a la mitad. Luego, la banda terminó todo con un pasaje hablado del aclamado astrofísico Neil deGrasse Tyson, metafórica y literalmente alcanzando las estrellas.

Y ahora llegamos al álbum que Avenged Sevenfold ha estado amenazando con hacer durante casi toda su carrera. Inspirados por gente como Mike Patton y su banda experimental Mr. Bungle, A7X canaliza un espíritu de "todo menos el fregadero de la cocina" en sus composiciones más nuevas.

Cuando M. Shadows anunció que la banda trabajaría con una orquesta, muchas personas probablemente tuvieron visiones del S&M de Metallica o de un álbum neoclásico arrollador. Pero la banda desafió las expectativas al adoptar el enfoque opuesto, y la mitad de las canciones son la mitad de largas que las canciones típicas de Avenged. (En otras palabras, duran de tres a cuatro minutos). Incluso la descripción básica y con marcador negro de Death en la portada es un marcado contraste con muchas de sus carátulas de álbumes anteriores más coloridas.

Shadows ha declarado que Life Is But A Dream... explora el existencialismo y el absurdo, y se inspira parcialmente en los escritos filosóficos de Albert Camus, así como en el uso de drogas psicodélicas por él mismo y Gates. El álbum altamente ecléctico es un estudio de contrastes salvajes, con su tempo frecuente y cambios dinámicos y un enfoque vanguardista de la composición de canciones.

Un ritmo vertiginoso de thrash se disipa en una suave sección de flauta, piano y guitarra acústica en "Game Over", o en voces monótonas y sonidos industriales atonales en "We Love You"; cuernos hipnóticos y voces emocionales crescendo a través de la disonancia de guitarra en "Cosmic". Las últimas cuatro pistas por sí solas invocan elementos de Broadway, funk, jazz, baladas al estilo de Sinatra y, al final, un instrumental de piano neoclásico.

El último plato de Avenged Sevenfold vuelve a lo que la banda ha mostrado desde el principio. Al presionarse a sí mismos y a su audiencia, uno nunca sabe qué esperar de un nuevo álbum de A7X, o qué tipo de marca dejará en su oyente. Queda por ver cómo se mantendrá esta última epopeya con el tiempo, pero Life Is But A Dream... demuestra que Avenged Sevenfold no se dormirá en los laureles. Eso es lo que los ha impulsado todo el tiempo.

Canciones esenciales de Foo Fighters: 10 pistas que muestran el espíritu rockero eterno de la banda

Foto: Scott Dudelson/Getty Images para Coachella

característica

Desde que Christine and the Queens debutó en 2014, el cantante de indie pop ha viajado a través de la exploración personal y musical, y ahora ha creado el álbum que lo cambió.

"Está muerto para mí", dice Christine and the Queens sobre la estructura clásica de la canción pop. “Mataron la música pop con el alto capitalismo. Contagiaron la melodía”.

La artista nacida como Héloïse Letissier siempre ha tenido un don para la vanguardia, empujando los límites y explorando temas de identidad en su música. (En "iT", la canción de apertura de su álbum debut de 2014, cantó memorablemente: "Ella quiere ser un hombre, un hombre/ Pero ella miente/ Ella quiere nacer de nuevo, otra vez/ Pero ella perderá/ Ella dibuja su propia entrepierna por sí misma/ Pero perderá porque es una falsificación.")

Pero PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE, su cuarto álbum de larga duración que saldrá el 9 de junio a través de Because Music, es una bestia completamente diferente, tanto una desviación de los álbumes empapados de synthpop que lo precedieron como una expansión inmaculada de su composición desinhibida.

El proyecto de la pasión, un álbum conceptual en tres partes, fuertemente inspirado en el Premio Pulitzer de Tony Kushner y la obra de teatro ganadora del Tony en 1991 Angels in America y la muerte de su madre, Martine Letissier en 2019, es un tour de force operístico que evita el pop tradicional por un extenso , búsqueda visionaria contada en más de 20 pistas y 96 minutos. El elíseo resultado es rico y revelador en ocasiones, embriagador e hipnótico en otras.

PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE supone también una completa evolución respecto a la versión de Letissier que se perfilaba como una prometedora estrella en la esfera del indie pop hace casi una década. "Me cambió. Lo hizo", dice Letissier sobre el álbum. "Estoy en terapia ahora y tengo el género correcto. Estoy presente. [Risas.] Finalmente, ¡Dios mío! Tomó el tiempo que tomó, ¿eh?"

Si sus pensamientos sinceros son una indicación, el viaje de autodescubrimiento de Letissier ha sido largo y tortuoso. De hecho, no es exagerado decir que la cantante francesa es una artista completamente diferente de la estrella pop femenina queer presentada en Chaleur humaine de 2014 (que recibió un relanzamiento en inglés al año siguiente como Christine and the Queens). En ese entonces, Letissier se identificaba a sí mismo como mujer y usaba ella/sus pronombres, alineándose con el apodo femenino en su nombre artístico, y presentaba la androginia de Christine como una especie de espectáculo de arte escénico a través de canciones tempranas como la mencionada anteriormente. iT", "Saint Claude" e "Tilted".

Para Chris, su seguimiento de 2018, Letissier introdujo otra capa a su nombre artístico y personalidad. Como el Chris titular, el cantante se cortó el cabello en un elegante copete y se vistió con un guardarropa rotativo lleno de camisas con botones, pantalones anchos y trajes hechos a la medida por expertos.

"Cada narrativa de héroe masculino que pude encontrar, quería robarla para mí y adaptarla a mi tamaño", dijo Letissier en un perfil para The New York Times en ese momento. "El primer álbum era sobre una chica joven queer que era un poco melancólica, pero ahora estoy mostrando mis músculos. Quería experimentar con un sonido más duro y agresivo".

Ese enfoque produjo éxitos llenos de machismo como "Girlfriend" impulsada por el funk (y su video musical al estilo de West Side Story), y el tema de apertura del álbum "Comme Si", en el que Chris declara: "Hay un orgullo en mi canto/ El espesor de una piel nueva/ he terminado con la pertenencia".

En ese momento, Letissier había comenzado a identificarse públicamente como pansexual y genderqueer mientras aún mantenía una comprensión de su sexo femenino asignado al nacer. "Digo que soy fluido porque creo que mi feminidad está hecha de, ya sabes, toques de masculinidad y de dudas y vacilaciones", le dijo a BBC Newsnight. "No estoy tan segura de lo que significa ser mujer a pesar de que lo soy... Solo estoy tratando de deconstruir un poco, porque creo que en algún momento los tropos de género me parecieron un poco limitados".

Solo unos años más tarde, Letissier, de hecho, adoptaría una gama ampliada de pronombres, incluidos ellos/ellos, en su viaje hacia una autorrealización más completa. Pero en retrospectiva, todavía ve sus primeros dos álbumes como representaciones honestas de quién y dónde estaba en cada momento en particular.

"Creo que entiendo más de lo que quiero llegar a ser", le dice Chris a GRAMMY.com. "Empecé muy joven; mi primer álbum se volvió masivo joven. Creo que Chris también es la expresión [de] mis nervios, pero todavía estaba pensando en términos de una estructura pop, el cuerpo de una mujer, y yo estaba domando al resto".

En los primeros días de la pandemia de 2020, Letissier lanzó La vita nuova, un emotivo EP anclado en el sencillo principal "People I've been sad" y un cortometraje correspondiente con sus seis canciones. El lanzamiento de seis pistas mantuvo la teatralidad y la coreografía de Chris en primer plano: la imagen de "People I've been sad" lo encuentra bailando con un demonio con cuernos en una azotea parisina con la Torre Eiffel a la vista, pero lo encontró explorando nuevas profundidades. de emoción inmediatamente después de perder a su amada madre.

"Había una sensación real de desmoronamiento que estaba bastante presente. Es verdad", dijo a NME sobre canalizar su dolor en La vita nuova. [El EP] fue el resultado de recibir muchos golpes cortos emocionales en mi cara durante 2019... Experimenté muchas cosas profundas durante la gira del segundo disco, y la tensión entre la gira y el resto de mi vida se volvió insoportable. ."

Redcar les adorables étoiles (prólogo), el próximo largometraje del multi-guionista, llegó a fines de 2022 como el vehículo para debutar su último alter ego, Redcar. Y aunque el título del álbum apuntaba a que sería un antecesor de lo que vendría después, Letissier revela que ya estaba inmerso en el proceso de creación de PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE cuando se le ocurrió la idea de que el tríptico celestial necesitaba un francés. precursor del lenguaje.

"Sentí como un prólogo que primero necesitaría para volver a la otra pieza", dice sobre Redcar, que escribió y grabó en solo dos semanas con el coproductor Mike Dean. "Así que era como este pasillo de una película de Kubrick donde el tiempo está jodido, y en realidad tienes que trabajar en algo después del núcleo para actuar antes del núcleo".

Fue abrazar el apodo de Redcar, inspirado por ver un auto rojo tras otro en las calles de Los Ángeles tras la muerte de su madre, lo que también le dio a Letissier el espacio para abrazar su identidad como hombre trans.

Detalló su salida del armario y su relación en evolución con el género en un perfil de Vogue sobre el lanzamiento de Redcar les adorables étoiles (prólogo) en noviembre pasado. "Mi acercamiento a lo trans no va a ser especialmente agradable o tranquilizador, ya que no creo que deba consolar a nadie con ningún tipo de fallecimiento.

"Mi historia trata sobre la tolerancia y la deconstrucción colectiva", continuó. "Quiero mantener mi cuerpo como es. Estoy saliendo para ser feliz y libre, para ser amado y para amar, para disfrutar de mi carne y su contradicción, para ayudar a expandir la conciencia de todos, lentamente, espero, para el futuro". generaciones también, desarraigando este enfoque binario y capitalista de la vida humana... Redcar es la representación de lo que he estado pasando".

Y si (prólogo) fue un atisbo de la transformación artística y personal de Letissier, su sucesor despliega el resto de su historia en todo su seráfico esplendor.

"A través de la luz, recuerda. Oye, mi bebé. Bienvenido al cuento de los cuentos. Bienvenido al cuento de tu propia luz, hijo mío. Bienvenido a la luz", pronuncia Letissier en la grandilocuente "Obertura" que abre PARANOÏA. "Desde donde estoy, todo es glorioso".

Con esa proclamación, el artista deja claro que, efectivamente, ha tirado por la ventana el típico libro de reglas del pop y que no le interesa mirar atrás. "Siento que la hiper-racionalización de la eficiencia en la música pop está, un poco, matando la diversión", dice. "Estamos trabajando en escalas muy estrechas, en los mismos intervalos. Buscamos la eficiencia y yo quería buscar la verdad, quoi".

El resultado son 96 minutos de música maravillosamente densa y poderosa que de alguna manera logra ser grandiosa e intrincada tanto en su construcción como en su interpretación. Chris superpone armonías medievales con paisajes sonoros etéreos y de ensueño, dando la bienvenida a las visitas celestiales y contemplando lo invisible, mientras procesa el dolor por la muerte de su madre y busca la trascendencia al servicio de lo que "lo invisible" exigía de él.

Madonna, a quien se refiere reverencialmente como "Metatron, quoi" y "el ángel de la transformación", juega un papel clave en múltiples pistas como un personaje omnisciente y ambivalente denominado One Big Eye.

Cerniéndose sobre la narrativa altruista del álbum, Letissier describe One Big Eye de Madonna como "la voz de la gran simulación", "un ángel disfrazado", posiblemente la voz de su difunta madre "hablando desde lejos" o incluso el Santo Mary misma, o mejor aún, todos a la vez. (070 Shake también encarna su propio carácter angelical en las canciones de ANGELS "True love" y "Let me touch you once").

Según Letissier, un proceso creativo tan extremo fue diferente a todo lo que había experimentado antes, y ser empujado al borde lo dejó cuestionando, a veces, tanto su práctica como músico como su capacidad para actuar como un recipiente para la música que era. recepción.

"Recuerdo que en algún momento, estaba tan perdido en las voces que tenía y las posibilidades que pensé, 'También podría estar muy loco'", dice con una sonrisa irónica. "Y le pregunté, en realidad, a un chamán, y dije: '¿Realmente me estoy volviendo más claro? ¿O solo estoy loco?' Ella dijo: 'Ambos, mi buen señor. Porque el multiverso es real'".

Muy pronto, nacieron canciones como "Tears can be so soft", "He's been shiny for ever, my son" y "To be honest", a menudo escritas en una sola toma temprano en la mañana, llegando como un rayo de inspiración. Mirando hacia atrás ahora, Letissier dice que la experiencia lo convirtió en "el hombre de oración loco", singularmente dedicado a lo que se convirtió en una práctica casi espiritual. "Nunca interioricé tanto mi práctica. Me volví loco. Estaba como poseído. Me dessocialicé. Rezaba durante horas, caminaba. Me estaban pasando las cosas más locas, pero muy tenues, muy en la tela". de mi día y estaba solo orando.

"Y lo loco de este arte nuestro, creo que tenemos que ser valientes la mayor parte del tiempo", continúa. "Mucho más que hábiles, tenemos que ser valientes. Implacables. Pacientes. Perdurables. Más que incluso señalar los talentos que tenemos".

Afortunadamente, el cantante dice que su rabiosa devoción por crear PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE lo llevó a una especie de curación y lo acercó al espíritu de su madre.

"Fue una fiesta aterradora pero hermosa. Se sentía embrujada", confiesa. “Pero más allá de eso, me sentí bendecido. Sentí que a veces recordaba su voz a través de la mía. Casi sentí que ella tenía un toque en las canciones mismas. Hay una canción llamada 'Conocí a un ángel'. Cuando lo escribí, decía: 'Abre tu corazón, mi amor', etc. Yo estaba como, 'Ella está hablando. Solo me dice que está bien ser yo y ser ese músico. Ese hombre'.

"Perder a alguien a quien amas es una experiencia terrible, por supuesto, de dolor, etc.", agrega Letissier. "Pero lo bueno del amor cuando es tan profundo es que ella encontró una manera de cuidarme a través de la magia. Creo eso, no tengo miedo de decir que hablo con ella casi todos los días. Siento que cuando entendía más sobre mí, me estaba llamando 'mi hijo'. Sabes, siento que es... nunca rompes el vínculo".

Ahora, a punto de compartir PARANOïA, ANGELS, TRUE LOVE con el mundo, Letissier no solo ha llegado a su verdadero yo, sino que también ve cuán necesario fue cada paso, cada canción y cada álbum para llegar a este punto.

"Lo bueno de mí es que soy un hombre tan consistente", dice. "He sido honesto todo el tiempo. Lo mejor que salvó mi trasero en terapia del odio a mí mismo, de darme cuenta de lo ciego que estaba a mi condición, fue que la música estuvo allí todo el tiempo diciéndolo. He sido una honesta amante de las madres en mi práctica. Mi gran error fue decirle a la gente que era una actuación".

Té de hierbas y sofás blancos: River Shook revela su mayor lucha en la gira

Foto: Cortesía de La'Ron Hines

video

El creador de contenido, actor y cantante La'Ron Hines estrena su tercer lanzamiento como artista, una canción de amor llena de confianza titulada "Down", con una actuación ondulada impulsada por una guitarra eléctrica.

Con su último sencillo, "Down", el recién llegado al R&B La'Ron Hines narra los ingredientes apasionantes de una relación en ciernes: química chisporroteante, enamoramiento tórrido y encanto intenso. Más que nada, Hines ve todo a través de lentes color de rosa y una confianza infalible de que pueden conquistar el mundo juntos.

"Probablemente pueda ponerte en ritmo / Quiero llegar a conocerte muy bien / Moviéndote al ritmo / Podemos cerrarlo", canta Hines en el coro de la pista. "Me siento un poco sediento por un poco más, sí / La hierba siempre está verde contigo / Mantengámoslo dulce y simple, vámonos".

En este episodio de Press Play, Hines ofrece una interpretación contagiosa de "Down". Lo mantiene simple, interpretando la canción sobre una guitarra eléctrica ondulada.

Hines comenzó una carrera musical después de impulsarse a la fama en TikTok (particularmente con sus videos de trivia de guardería), lo que le valió un lugar en Forbes' Top Creators of 2022. "Down" es el tercer sencillo en su creciente catálogo como cantante, y sigue el lanzamiento de su oferta de diciembre, "Web of Lies".

Mire el video de arriba para ver a La'Ron Hines "Down" en esta presentación exclusiva de su carismático nuevo sencillo, y vuelva a GRAMMY.com para ver más episodios de Press Play.

El gran año de Lizzy McAlpine: la cantante viral detalla los momentos más importantes detrás de su carrera en rápido ascenso

noticias

El GRAMMY U Mixtape es una lista de reproducción mensual que abarca todos los géneros para saciar su sed de nuevas canciones, todas de miembros estudiantes. Este mes, echa un vistazo a los miembros destacados de este año y a los favoritos de los fans.

¿Sabías que entre todos los estudiantes del GRAMMY U, la composición y la interpretación es uno de los campos de estudio más solicitados? Queremos crear un espacio para escuchar lo que estos estudiantes están creando hoy.

El GRAMMY U Mixtape, ahora disponible para su placer auditivo, destaca las creaciones y las nuevas ideas que los estudiantes aportan a esta industria directamente en las páginas de Spotify, Amazon Music y Apple Music de Recording Academy. Nuestro objetivo es celebrar a los miembros de GRAMMY U, así como el tiempo y el esfuerzo que dedicaron a crear música original, desde el proceso de composición hasta la producción final de la canción.

Cada mes, aceptamos presentaciones y presentamos de 20 a 25 canciones que coinciden con el tema de ese mes. Este mes, hemos creado la combinación perfecta de melodías para que todos estén emocionados y listos para su entrenamiento. La lista de reproducción Summer Rewind incluye música de los ganadores de la 9.ª edición anual del GRAMMY U Nashville Songwriter Showcase, artistas seleccionados del GRAMMY U que se presentaron en los eventos del GRAMMY U el año pasado y algunos de los favoritos de los fanáticos.

Entonces, ¿qué te detiene? Presiona play en el Mixtape de GRAMMY U y escúchalo ahora en Spotify a continuación o en Apple Music y Amazon Music.

¿Quieres aparecer en la próxima lista de reproducción? ¡Envía tus canciones hoy! Actualmente estamos aceptando presentaciones de canciones de todos los géneros para considerarlas en nuestra lista de reproducción de febrero. Ya sea que escriba pop, rock, hip hop, jazz o música clásica, queremos saber de usted. La música debe ser escrita y/o producida por el miembro estudiante (una canción original) y debe poder enviar un enlace de Spotify y/o Apple Music a la canción. Los estudiantes deben ser miembros de GRAMMY U para enviar.

Acerca de GRAMMY U:

GRAMMY U es un programa que conecta a los estudiantes universitarios con las mentes más brillantes y talentosas de la industria y brinda a los aspirantes a profesionales las herramientas y oportunidades necesarias para comenzar una carrera en la música.

A lo largo de cada semestre, los eventos y programas especiales abordan todas las facetas de la industria, incluidos los negocios, la tecnología y el proceso creativo.

Como parte de la misión de Recording Academy de garantizar que las artes grabadas sigan siendo una parte próspera de nuestro patrimonio cultural compartido, GRAMMY U establece la base necesaria para que florezca la próxima generación de música.

¿No eres miembro, pero quieres enviarlo a nuestra lista de reproducción? Solicite la membresía GRAMMY U aquí.